críticas de cine


What have we done to deserve this? Social Trends at San Sebastian

Jesús García Cívico

 

Dolor y gloria «Molestias y popularidad»

Oscar Peyrou

Le roman de Renoir 

René

A War (Una Guerra, Tobias Lindholm, 2015)

Eduardo Casanova

 

What Have We Done to Deserve This?

Social Cinema Trends at San Sebastian
by Jesús García Cívico

 

 

 

In Citizenship and Social Class (1950), the classic book of T. H. Marshall, the British sociologist predicted that economic differences between citizens would remain in place and unchallenged as long as they did not seem too steep and did not generate the feeling from those on the bottom that they were not having the life they deserved. It was soon after that England became the place of the 1956 Angry Young Men Manifesto and the filmic movement that we know as Free Cinema. The latter implemented an aesthetic of “realism” for fiction cinema, which included sympathetic portraits of everyday, blue-collar life, and a moral commitment to the disadvantaged classes. Free Cinema’s overarching thematic line was a sad skepticism about the possibilities of social mobility and an impassioned sense of injustice about the workings of the world. 

In contrast to the classic narratives of Hollywood cinema, which sugar-coated class differences, the films of Jack Clayton, A Room at the Top (1959), Karel Reisz, Saturday Night and Sunday Morning (1960), Lindsay Anderson This Sporting Life (1963) or John Schlesinger A Kind of Loving (1962) were determined to show the grey, hopeless face of social barriers, and the real experiences of the working class and aspiring middle class.

 

That cinema had an ephemeral life but a lasting influence as a precedent of the current British social cinema whose best exponent could be the work of Ken Loach (or the Loach-screenwriter, Paul Laverty duo). In more general terms, we can say that cinema as a locus for social problems has been there practically since its birth: from certain documentary trends (Alberto Cavalcanti) to the Little Tramp created by Chaplin, from the Italian neorealism of the 40s to cinéma verité in France in the 50s. A cinema steeped in reality and social commitment can be traced in films as diverse as those of the Italian scriptwriter Cesare Zavattini, the Mexican period of Luis Buñuel, the Brazilian “Cinema Nôvo,” the South American wave of the 70s, and the recent works in Belgium of Jean-Pierre and Luc Dardenne. Even in the USA, the dark side of the American dream has been examined in films by screenwriter Davis Mamet (American Buffalo, Michael Corrente, 1996; Glengarry Glen Ross, James Foley, 1992). 

Today, after the global crisis of 2008, T.H. Marshall's two premises about a functional society with which we began have, sadly, taken their worst turn: the material differences between people in western societies are too deep, and people everywhere feel that they do not live the lives they deserve.

Several of the films in the official section of the 67th edition of the San Sebastian Festival fit into that broad label of social cinema: the intimate description of the vicissitudes of vulnerable people in Spain’s A Thief´s Daughter (Belén Funes, 2019), or the problems of young people from unstructured, immigrant families in  Britain’s Rocks (Sarah Gavron, 2019). The feeling of not deserving the bad luck that has affected them is explicit in the Argentine film out of competition, The Gilles/ Heroic Losers Odyssey. Director Sebastián Borensztein recounts the attempts of a group of «gilles» to reverse their misfortune at the hands of a greedy bank by taking justice into their own hands.

Two of the best films shown at San Sebastian explicitly deal with this perception of an undeserved destiny by the downtrodden at the hands of the privileged classes: 


Parasite (Bong Joon-ho), coming from its triumph at Cannes, could be seen in the «Perlak» section. The other, Workforce (David Zonana) was part of the Official section. 

Parasite, with its peculiar mix of genres characteristic of South Korea, reinvigorates social cinema freed from budget restraints and open to formal innovations. Here, there’s an interplay between horror and satire, humor and politics. The protagonist, Gi Taek (Song Kang Ho), from an out-of-work family, is hired to teach English to the wealthy until he becomes aware of the opinion that the privileged have of him: someone who smells bad.

A similar sensitivity to the inequalities caused by global capitalism is shown in Workforce by the young Mexican director, Zonana. In my opinion, this was one of the best surprises of the festival. Francisco (a great performance of Luis Alberti) is among a group of construction workers building a luxury house. After the accidental death of his brother falling from an upper floor, Francisco learns that his sister-in-law widow will not receive any compensation from the rich owner of the house. After enduring himself additional abuses, Francisco decides to murder the home owner and occupy the luxurious home himself, inviting his fellow workers and their families to join him there. The house becomes a metaphor, how poor people occupy it and live there among their peers.

With its masterful conciseness, with its Buñuelian breath (Viridiana, Los olvidados), and its radical lucidity, Workforce is a magnificent debut, and a promising example of a new line of social cinema. 

 

 

JGCívico@

Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica FIPRESCI

Fédération Internationale de la Presse cinematográfica

San Sebastián, 17 de septiembre de 2019

 

 

 

 

Dolor y gloria:

«Molestias y popularidad»

 Oscar Peyrou

en Déjà vu

(clic)

 

LE ROMAN DE RENOIR

 

Renoir, père et fils, aproche cinématographique

 

René Marx 

Exemple unique dans l’histoire de l’Art, l’un des plus grands cinéastes du monde est le fils de l’un des plus grands peintres du monde. De nombreux artistes ont grandi et construit leur œuvre contre leurs familles, leur milieu, leurs parents. Mais Jean Renoir (1895-1979) fut le fils reconnaissant, respectueux, fidèle, de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). L’enfance de Jean, la vieillesse de Pierre- Auguste, l’héritage du peintre dans l’œuvr du cinéaste nou apprennent beaucou sur la filiation l’inspiration, l communication entre les arts Jean Renoir est le fil d’un homme âgé. Son père a 54 ans l’année de sa naissance, un âge respectable en cette fin du XIX° siècle. Pierre-Auguste est déjà célèbre, riche, il fréquente l’élite artistique et intellectuelle de son temps. L’enfance de Jean se déroule entre trois lieux. Le Montmartre encore champêtre où il est né, sur le haut de la Butte, au Château des Brouillards. Les paysages enchanteurs de Seine-et-Marne, lieu de travail des Impressionnistes et plus précisément les bords du Loing où Jean tournera La fille de l’eau en 1924 et Une partie de campagne en 1936. La Côte d’Azur encore sauvage, inondée de lumière, où il réalisera Le déjeuner sur l’herbe en 1959, aux alentours de la propriété des Collettes, près de Cagnes-sur-mer.


Les Renoir sont riches, mais ce ne sont pas des bourgeois. La liberté laissée aux enfants est inhabituelle dans ces années-là. Le petit Jean grandit dans un monde de sensualité, entouré et câliné par les modèles de son père. Au premier rang, la célèbre Gabrielle. A la fin de sa vie, dans les années cinquante, Gabrielle, qui fut la nourrice de Jean, habitait à Beverley Hills, à Los Angeles, dans la maison voisine du cinéaste devenu américain. Elle est le lien permanent avec la mémoire du peintre et aida énormément Jean pour l’écriture de son livre Pierre- Auguste Renoir, mon père, publié en 1962, trois ans après la mort de Gabrielle. C’est un livre central à la fois pour  l’histoire de l’art et la problématique de la filiation. Jean fut très souvent, dans son enfance, le modèle de son père. Mais le momento crucial entre le père et le fils a lieu entre 1915 et 1919. Gravement blessé à la jambe, sur le front alsacien, le jeune soldat se remet près de son père malade, qui souffre terriblement de sa polyarthrite et finit pourtant sa vie dans un élan extraordinaire de créativité. Ces années sont un moment d’intimité, de communion sentimentale, artistique, intellectuelle, décisives pour Jean Renoir. Le peintre apprend l’art de la céramique à celui qui n’est encore qu’un amateur de cinéma, un dilettante qui ne sait pas ce qu’il fera de sa propre vie. Son enfance heureuse et lumineuse s’est conclue avec la réalité cruelle de la guerre.


Bonheur et cruauté seront les deux pôles de son oeuvre à venir. Après la mort du peintre, Jean épouse Andrée Heuschling, modèle de son père. Il réalisera pour elle ses premiers films au cinéma. Il le fait parce qu’elle a rêvé de ressembler aux étoiles d’un Hollywood en train de naître et qui domine déjà l’imaginaire universel.

 

Deux grandes expositions, à la Cinémathèque Française en 2005 et au musée d’Orsay en 2018 l’ont confirmé: Toute l’œuvre du cinéaste, comme celle du peintre, est traversée par un panthéisme sensuel, lucide, obsédé par la précision du regard et le bonheur d’être au monde. L’obsession de la lumière, traverse les films de Renoir, y compris paradoxalement les vingt-trois années où il tourna en noir et blanc. La gravité sous-jacente à toute son œuvre est moins liée apparemment à la peinture de son père. Mais, à presque quatre-vingts ans, Jean écrivait: «J’ai passé ma vie à tenter de déterminer l’influence de mon père sur moi».

 

 

 

 

 

 

 

 

Cahiers du cinema

Top 10

2009-2019

Twin Peaks: The Return (2017) — David Lynch
Holy Motors (2012) — Leos Carax
Li’l Quinquin (2014) — Bruno Dumont
Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (2010) — Apichatpong Weerasethakul
The Image Book (2918) — Jean-Luc Godard
Toni Erdmann (2016) — Maren Ade
Mia Madre (2015) — Nanni Moretti
Melancholia (2011) — Lars von Trier
Under the Skin (2013)— Jonathan Glazer
The Strange Case of Angelica (2010)— Manoel de Oliveira

 

 

 

 

 

 

Indiewire

1. Moonlight (Barry Jenkins, 2016)

2. Under the Skin (Jonathan Glazer, 2013)

3. Copia Certificada (Abbas Kiarostami, 2010)

4. The Act of Killing/ The Look of Silence (Joshua Oppenheimer, 2013/2015)

5. A propósito de Llewyn Davis (Ethan & Joel Coen, 2013)

6. Holy Motors (Leos Carax, 2012)

7. Carol (Todd Haynes, 2015)

8. The Master (Paul Thomas Anderson, 2012)

9. Mad Max: Furia en la carretera (George Miller, 2015)

10. Lady Bird (Creta Gerwig, 2016)

A War (Una Guerra, Tobias Lindholm, 2015)

Eduardo Casanova

Este espléndido drama danés saca a la luz, con mucho tacto, una serie de dilemas morales latentes y actuales que, desde luego, no dejan a nadie indiferente. A ello se suma una realización que consigue recrear la ficción con un espeluznante realismo cuando escenifica las incursiones militares.

 

El filme se centra en el comandante de una unidad del ejército danés destinado en Afganistán, a quien su esposa y sus tres pequeños hijos echan de menos. En una escaramuza con los talibanes, se produce una circunstancia imprevista que le obligará a volver precipitadamente a casa para comparecer ante un tribunal.

 

El guion estructura la historia en dos partes. La primera narra el día a día de los soldados en una zona hostil y, paralelamente, las adversidades a las que se enfrenta la mujer de este oficial, que debe multiplicarse para suplir a la figura paterna. En estos terrenos, la cinta capta perfectamente la atención del receptor y proyecta con destreza dos tipos de angustia: una vinculada a la tensión que supone enfrentarse al enemigo y jugarse el pellejo, y otra relacionada con el desasosiego psicológico de una madre que, además de atender sola a los niños, vive pendiente de lo que pueda ocurrirle a su marido.

 

En este tramo, ese desdoblamiento narrativo sirve también para contrastar dos mundos y oponer las formas de vida de familias muy distantes cultural, política y geográficamente y, sin embargo, de alguna manera, vinculadas a través del protagonista, que personifica la intervención extranjera en aquel país.

 

Este contraste queda aún más enfatizado en la segunda parte del relato, que se presenta en clave de thriller judicial y en el que se hacen más evidentes ciertos conflictos éticos y jurídicos que dejan entrever unas notas de hipocresía que invitan a la reflexión. Se juzga a este mando por un supuesto error cometido en una situación delicada en la que sus hombres corrían serio peligro. No obstante, el mismo Estado que envío las tropas hasta allí se rasga las vestiduras y entra en disquisiciones legales cuando se producen daños colaterales, inevitables en cualquier guerra.

 

Por lo que respecta al reparto, merece ser destacada la encomiable interpretación de Pilou Asbaek (Juego de tronos), cuyas miradas nos hacen partícipes de las tribulaciones que atenazan a su personaje. La escena de cierre es especialmente elocuente.

 

A War es una película con calado, pese a que su sobriedad y una cierta frialdad puedan dificultar que sus mensajes lleguen con la nitidez que merecen.

 

Eduardo Casanova es miembro de la Asociación Española de la Prensa Cinematográfica (AEPRECI)

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